TRACKLISTE:
01. Sünder vor dem Herrn
02. Die Bestie
03. Zwanzigzehn
04. Therapie
05. Die Zeit heilt alle Wunden
06. Amok
07. Dem Tod so nah
08. Verschenkte Jahre
09. Inferno
10. Unherz

FAZIT:
Mal klingt es nach Onkelz, mal ein wenig nach den Hosen - doch eigenständige Note ist durchaus zu hören. Im Gesamtpaket findet hier allerdings selbst für dieses Genre wenig Abwechslung statt. Von Massacre Records ist man durchaus qualitativere Produktionen gewöhnt. Kann aber auch daran liegen, dass sie sich mit den Jungs in ein neues Gewässer begeben. Es ist und bleibt eine Debüt-Scheibe mit Potential - dieses wird hoffentlich noch ausgebaut. Für alle Deutschrock-Fans ein klarer Anspieltipp. Ansonsten gilt: Zurücklehnen und abwarten, was noch kommen mag.

FAZIT:
Hier wird ein grundsolides Gothic Metal Debut geboten, was ein gewisses Potential erkennen lässt. Wenn also an den durchaus vorhandenen Schwächen gearbeitet wird und das Songwriting weiter verfeinert wird, die Stimme an mehr Ausdruck gewinnt kann diese Band durchaus was reißen.

Was ich noch anmerken mag. Der Drummer Nicholas ist wohl vor kurzen an einer schweren Krankheit gestorben und auf seinen Wunsch hin gehen alle Einnahmen der CD an einen Stiftung.
Schaut einfach auf der Homepage www.jackksfamily.co.uk nach, dort kriegt er dann weitere Infos und könnt die CD bestellen.

Magna Mortalis: die deutsche Death-Metal-Hoffnung - zumindest wird die Band so vom eigenen Label angepriesen. Im Großen und Ganzen würde ich diese Aussage nicht unterschreiben, aber dies ist ja jedem selbst überlassen.

Das Album „Onward“ entstand in gekonnter Eigenregie und man kann davon ausgehen, dass es auf der Longplayerliste landen wird. Es ist sehr selten geworden, dass das Cover zur Musik, dem Albumtitel und der Band passt, doch genau das haben wir hier. An dieser Stelle ein Lob an Magna Mortalis.

Da wir uns nicht von einem Bildchen ablenken lassen wollen, schreiten wir zur Tat und zerpflücken das Album. „Onward“ besitzt 12 Tracks die sehr monoton um die Ecke donnern. Es steht außer Frage, dass Magna Mortalis ihr handwerkliches Können unter Beweis gestellt haben, aber etwas mehr Power hatte ich von der deutschen Death-Metal-Hoffnung schon erwartet.

Das „Intro“ sorgt für eine düstere Einstimmung und „Man's Defeat“ greift diese Stimmung auf, haut noch ein bisschen Untergangsstimmung dazu und treibt ordentlich mit Midtempoparts auch den letzten Death-Metaller an die Boxen. Bei „Radiative Benediction“ hören wir die groovige Seite der Vernichtung und erhalten den kurzen und schmerzvollen Todesstoß durch „Flaming Rain“. „Antihesis Of Creation“ ist mächtig und zerstörerisch, was man nicht direkt als Lob sehen kann, denn nach diesem Track geht Magna Mortalis die Power aus. Die folgenden Tracks sind zwar qualitativ hochwertig, doch sie reißen einen einfach nicht mehr vom Hocker.

Der Titelsong „Onward“ mobilisiert noch einmal die Kräfte des Quartetts und hoppelt in feiner und rohen Death-Metal-Manier durch die Boxen.

Das Album „Onward“ bietet zwar einen gewissen Facettenreichtum, doch für meinen Geschmack etwas zu wenig. Magna Mortalis bietet zum Großteil kraftvollen, groovenden Metal mit einem guten Schuss an aggressiven Riffs an. Ich vermisse den Wiedererkennungswert, davon aber abgesehen kann sich „Onward“ sehen lassen.

An so regnerischen Tagen wie heute freut man sich doch über Post aus Spanien, vor allem wenn sich die „Post“ auch noch gut anhört.

Da meine persönlichen Eindrücke nur musikalisch relevant sind, will ich direkt zur Sache kommen. Bei den 5 Spaniern handelt es sich um Noctem, eine Melodic Black – Death Metal Band, die ihr Album „Divinity“ auf den deutschen Musikmarkt geworfen haben.

Da mir Noctem bisher nicht bekannt war (... wie den meisten unter uns), legte ich neutral „Divinity“ ein und wurde von „Atlas Death“ sehr melodiös empfangen, gekonnter Opener. „In The Path Of Heleim“ zeigt direkt, dass der Opener nicht ansatzweise versprochen hat, was Noctem zu bieten hat. Nach „Realms In Decay“ bin ich mir sicher, dass wir noch einiges von Noctem hören werden.

Noctem legen viel Wert darauf keinen Einheitsbrei zu fabrizieren und so sorgen sie immer wieder für gekonnte Abwechslung – zu diesem Thema ist auch das Solo bei „The Sanctuary“ sehr nennenswert. Verschiedene Einflüsse prägen das Album, doch führt uns eine düstere Stimmung mit einem Haut von Tod durch das ganze „Divinity“.

Das Herzstück des Albums ist leider nicht der Titelsong „Divinity“, sondern „Religious Plagues“ - dieser Track frisst sich regelrecht in den Gehörgang, nistet sich ein und legt seine melodiös geshouteten Eier direkt neben das Gehirn. Man bekommt einfach nur Lust auf mehr!

Fazit: Die Suche nach einem Label war für Noctem nicht leicht, was ich gerade nicht ganz nachvollziehen kann. Interessanter und sehr abwechslungsreicher Death Metal weht mit einer frischen Priese durch Deutschland.

TRACKLISTE:

CD1
   1. Power Of The Night
   2. Hall Of The Mountain King
   3. 24 Hours Ago
   4. Legions
   5. Gutter Ballet
   6. Summers Rain
   7. When The Crowds Are Gone
   8. Ghost In The Ruins
   9. If I Go Away
  10. NYC Dont Mean Nothing
  11. Edge Of Thorns
  12. All That I Bleed

CD2
   1. Power Of The Night
   2. Hall Of The Mountain King
   3. 24 Hours Ago
   4. Legions
   5. Gutter Ballet
   6. Summers Rain
   7. When The Crowds Are Gone
   8. Ghost In The Ruins
   9. If I Go Away
  10. NYC Dont Mean Nothing
  11. Edge Of Thorns
  12. All That I Bleed

DVD
   1. Taunting Cobras
   2. Edge Of Thorns
   3. Chance
   4. Conversation Piece
   5. Nothing Going On
   6. He Carves His Stone
   7. Jesus Saves
   8. Watching You Fall
   9. Castles Burning
  10. All That I Bleed
  11. Stare Into The Sun
  12. Damien
  13. Handful Of Rain
  14. Sirens
  15. Gutter Ballet
  16. Hall Of The Mountain King

HINTERGRUNDINFO:
Deep Elm Records ist ein Indie Label aus dem USA, die hierzulande überhaupt nicht vertreiben. Dennoch sind dort einige gute Bands unter Vetrag, die sich ab und an sogar nach Europa trauen. In deren Internet Shop gibt es zur Zeit ein Super Angebot für ein Überraschungspaket mit 20 CDs für 39$ plus 9$ Versand, macht umgerechnet insgesamt 37€. Bei mir hat der Zoll das Paket abgefangen, da kamen dann nochmal 19% MWSt drauf, etwa 6€. Bei etwas mehr als 2€ pro CD kann man doch echt nicht meckern. In meinem Paket waren 6 Sampler, 2 EPs und 12 Alben, die ich hier in loser Reihe nach und nach bewerten werde. Auch schick: auf deren Homepage gibt es zum Vorab reinhören 99 kostenlose MP3s zum Download und in fast alle Alben kann man mit Snippets reinhören.

Den Start der Review Reihe macht hier ein Sampler, der mich allein vom Namen überzeugt hat. Die besten Bands, von denen man noch nie etwas gehört hat? Trifft bei mir auf jeden Fall zu. Und los gehts:

2009 veröffentlichten Hatebreed ihr gleichnamiges Album „Hatebreed“ ... wie arrogant, nicht wahr? - Doch die Herren können es sich leisten! Wo Hatebreed drauf steht, ist auch Hatebreed drin. 14 Titel mit einer knappen ¾ Stunde Laufzeit, die es in sich haben. Hatebreed gehört zu den wenigen Metalcore-Bands, die sich selbst auch noch nach 17 Jahren treu geblieben sind und ihren Fans geben, was sie nicht nur fordern, sondern auch brauchen.

Die Lobeshymne an Hatebreed geht direkt mit dem Opener „Become The Fuse“ weiter – treibend, brechend und von Emotionen geprägt zeigt er uns, auf was wir uns bei diesem Album einstellen können. Mit Begeisterung und Demut stürze ich mich in „Not My Master“ und werde nicht enttäuscht, allerdings schlägt mein Herz erst bei „Between Hell And A Heartbeat“ höher ... bei diesem Track erwartet einen der reine Thrash und Hatbreed zeigen eine unglaubliche Vielseitigkeit. Ich schaffe es kaum auf meinem Stuhl sitzen zu bleiben und sehne mich danach, diesen Track live um die Ohren geschmettert zu bekommen.

„In Ashes They Shall Reap“ zeigt uns recht eindrucksvoll, was von uns bleibt, wenn wir die irdische Welt verlassen und natürlich, wie es dazu kommen kann ... ein Hartcore-Track, der durchaus melodische Einflüsse genossen hat. Diesen Track will ich in den Radios, in den Clubs und beim Aufstehen hören! Nach 2 weiteren Genickbrechern kommen wir auch schon bei der Halbzeit an. „No Halos For The Heartless“ rockt die Bude einmal ordentlich durch, bevor „Through The Thorns“ endgültig den Vorschlaghammer auspackt. Beide Tracks laden herrlich zum mitgröhlen ein und sind somit ordentliche Stimmungsaufheller.

Die Halbzeit ist vorbei und wir haben nichts neues zu erwarten - sollte man denken – doch dann wird man von „Every Lasting Scar“ und „As Damaged As Me“ noch einmal vorbildlich durchgebrettert. Fleischwolf Ahoi, ich bin bereit für dich! Die restlichen Tracks stehen ihren Vorgängern in nichts nach und man kann nur sagen, das Hatebreed eines der besten Alben 2009 abgeliefert haben.

Hatebreed haben sich ihren Namen genauso verdient, wie sich die neue Scheibe den Titel verdient hat. Die Songtexte lesen sich nicht nur im Booklet gut, sondern hören sich auch noch gut an, wenn man sie um die Ohren geworfen bekommt.

REVIEW:
Schon der erste Song „Kopfbohrer“ hält sein versprechen, er bohrt sich wahrlich ins Gehirn. Klasse Melodie und rotzfrech, einfach nur Anstecken, am liebsten möchte man Mitgröhlen. Wunderbar Herzlich kommt „Für immer in Mir“ daher, welches vom Sound her etwas an die Böhsen Onkelz errinert. „Willkommen im Land der unbegrenzten Dummheit“. So wird man zum Song „Ohne mich“ begrüßt, welcher die Massenverblödung der Gesellschaft durch Talentshows stark in Kritik nimmt. Mit „100% Ich“, „Was Gestern war“ und „So viele Tage“ sind wahre Hymnen auch dabei, sie prägen sich sofort ein und animieren zum mitsingen.

Ein wahnsinns Intro erwartet euch bei „Aufstehen“ was definitiv zu den aggressivsten Titeln dieser CD zählt. Ein weiteres ist „Beretta 92“. Worin es da geht erkennt man schon am Titel, wenn man des öfteren Nachrichten schaut. Das sich das Genre rasend Ausbreitet wird im Titelsong „Epidemie“ besungen. Melodiös, hart und pushend, so beschreibt man den Song wohl am besten. Jetzt aber zu den Songs mit Gästen. „No Remorse“ mit Gary Meskil gehört auf jeden Fall zu den Anspieltipps, ein wahrer Hammer. Da kann man kaum den Kopf ruhighalten. Das zweite Lied wäre „Steig ein“, mit den Jungs von Discipline. Dabei steigt man in ein Auto ein und dann gibt’s nur noch VOLLGAS und das hört man auch, es ist schneller und erinnert vom Sound wirklich ans Autofahren.

FAZIT:
Wer Oi-Punk,Hardcore oder in dieser Richtung sich zuhause fühlt sollte zuschlagen.

Eine Band Namens „Dead Flesh Fashion“ aus NRW, welche sich in dem Genre Hardcore fest sitzt, klingt erstmal nicht spektakulär. Aber wenn man sich das Album anhört beißt es sich förmlich in den Ohren fest.

Aggressive, brachial, verstört, so könnte man es wohl am besten beschreiben. Wer mich kennt weiß eigentlich das ich nicht so der Fan brachialer Musikkunst bin, aber hier passt das eine einfach zum anderen. Was der Bass noch nicht zerstört hat wird von den Drums vernichtet. Die Klänge sind relativ unharmonisch, was dem ganzen aber eine richtig gute Note gibt. Der Übergang von Song zu Song scheint nahezu Nahtlos vonstatten zu gehen. Es ist also kein Album das man sich mal kurz anhört. Man muss es sich wahrlich komplett reinziehen.

Es heißt ja „die Grenze zwischen Genie und Wahnsinn“ sei sehr dünn, und hier wurde hin und her gesprungen. Für feinfühlige Menschen ist es aber wohl eher nichts, man muss schon ordentlich harte Ohren haben um das durchzustehen. Aber für die Jenigen ist es eine rund um gelungene Platte. Was man leider sagen muss, es gibt keinen wirklich genialen Ausreißer. Der einzige „Ausreißer“ auf der Scheibe ist der letzte Track, der von den anderen eher Durchschnittlichen Spielzeiten schon etwas abweicht. Dieser geht glatt 16:11, davon 10 Minuten doomlastige Beschallung, welche sich schon nach kurzer Zeit als bedrücktes Gefühl ausbreiten. Die Letzten 6 Minuten sind einfach wirre Gitarrengeräusche und eigentlich nur störend.

1996 entschloss sich Robert Bartleh Cummings die Band „White Zombie“ zu verlassen und das Soloprojekt „Rob Zombie“ ins Leben zu rufen. „Hellbilly Deluxe“ wurde 1998 auf den Musikmarkt geworfen und fuhr direkt eine 3-fache Platinauszeichnung in den USA ein. Gute 12 Jahre nach seinem Debutalbum präsentiert er uns nun „Hellbilly Deluxe 2“ ... ein würdiges Nachfolgealbum? - Sicherlich nicht. Das Cover ist Rob-Zombie-Like und das Booklet ist gut durchdacht und sehenswert, doch das reißt es auch nicht mehr raus.

Der Opener „Jesus Frankenstein“ verspricht mehr, als er halten kann. Ich habe mir den Track mehrmals angehört und nachdem ich nach dem 5. Mal nicht in Euphorie ausgebrochen bin, habe ich es aufgegeben. „Jesus Frankenstein“ als Opener zu nehmen, kann nur ein Scherz gewesen sein. Unbeirrt stürze ich mich in „Sick Bubble Gum“ und entdecke Rob wieder. Voller Elan gehe ich zu „What?“ über und entdecke viele Parallelen zu „Hellbilly Deluxe“ - Darauf habe ich gewartet! Obszönitäten und mysteriöse Kreaturen prägen die Texte und Titel, aber das war ja noch nie anders.

Nachdem man sich „Mars Needs Women“ zu Gemüte geführt hat, fragt man sich, ob das ausgesprochene Lob etwas zu voreilig war. Die akustische Einleitung konnte man sich noch gut anhören, doch die Monotonität des gesamten Stücks geht einem einfach nur auf den Keks. Das war dann wohl ein Griff in die Tonne, werter Rob. „I am a monster – Can I come Over? - Some kind of demon – To get you screaming“ ... ein kleiner Textausschnitt aus „Werewolf, Baby!“, die handschrift von Rob ist klar zu erkennen und der Track lädt zum schunkeln ein, doch war das das Ursprungsziel?

„Virgin Witch“ eignet sich maximal als Longplayer im UKW-Programm und über „Death And Destiny Inside The Dream Factory“ sprechen wir am besten gar nicht! Spätesten bei „Burn“ und „Cease To Exit“ verliert man den Spaß am Album. Bei „Werewolf Women Of The SS“ heißt uns Rob in seiner surrealen Welt willkommen, aber umhauen kann er damit keinen mehr. Die letzten Hoffnungsschimmer werden also auf „The Man Who Laughs“ gelegt und die ersten paar Minuten hat man noch den Anschein, dass könnte wirklich etwas werden, doch die knappen 4 Minuten Schlagzeugsolo nehmen einem das Feeling und den letzten Glauben an „Hellbilly Deluxe 2“.

Vergleicht man also „Hellbilly Deluxe“ und „Hellbilly Deluxe 2“ muss man leider feststellen, das Rob nachgelassen hat. Die besungenen Kreaturen sind zwar noch immer merkwürdig und die Texte noch immer recht nett anzuhören, doch die Verpackung stimmt nicht mehr. Ein Revival ist aus musikalischer Sicht ausgeschlossen.

Abgemischt und teilweise aufgenommen wurde "You And Your Revolution" im Fear And Loathing Studio in Stockholm. Die Produktion haben dabei Jocke Skog und Zak Tell von Clawfinger übernommen, womit es dann auch nicht verwundert, das man Zak Tell auf dem ersten Song singen hört.

Zum Bandnamen:
Wie ich einem Interview von metal.de mit der Band entnehmen konnte, ist dafür jemand verantwortlich, der ganz zu Anfang unbedingt in die Band wollte. Er gab den Jungs ein Demotape wobei das Tape selbst ein no name Produkt war, auf dem nur "super 90 minutes" drauf stand. Der Kerl schrieb seinen Namen mit auf das Tape und er hieß "Buttinger". Als Scherz haben sie das dann zusammen gefügt und "Superbutt" (übersetzt: Superarsch) war geboren. Die Band fands lustig, der Name ist einzigartig und so ist er dann geblieben.
Meinen Humor trifft es ebenso :)

REVIEW:
Superbutt fingen 2001 bei ihrem ersten Album "2 Minutes For Roughing" mit einer Mischung aus Metal gepaart mit Crossover- und gelegentlichen Hardcore-Elementen an und haben sich von Album zu Album weiter entwickelt. So war das letzte Studioalbum ("Black Soup" von 2006) von Crossoveranleihen befreit und ein Modern Metal Werk mit interessantem Songwriting. Einem Songwriting, dass ihnen hier und da den Vergleich "ungarische System of a Down" eingebracht hat. Wenn man das liest und das Album dann hört, kann man zwar verstehen, woher der Vergleich kommt, aber meiner Meinung nach ists doch etwas weit hergeholt und Superbutt sind durchaus eigenständig.
Beim aktuellen Werk "You And Your Revolution" wurde der Metal zwar nicht komplett über Bord geworfen, doch ist das ganze deutlich im Rock moderner Natur angesiedelt. Und zwar mit Schmackes! Der größte Teil des Albums ballert richtig fein und András' einzigartige, gleichzeitig melodiöse und raue Stimme gibt dem Ganzen eine sehr besondere Note. Es wird definitiv Zeit, dass diese Band auch abseits Ungarns mehr Aufmerksamkeit erhält!

Der Anfang des Albums dürfte von manchen mit großer Freude und von anderen mit einem Stirnrunzeln aufgenommen werden. Zak Tell von Clawfinger und András teilen sich den Gesang und der Clawfingereinfluss ist deutlich hörbar. Die Superbutt-Trademarks sind vorhanden, aber nimmt man András' Gesang raus, könnte man den Song auch ohne große Schmerzen auf einer der letzten beiden Klauenfinger Scheiben unterbringen. Mir persönlich gefällt der Mix ausgezeichnet und so hab ich von der ersten Sekunde an Spaß!
Eine Sache die sich durch das gesamte Album zieht sind großartige Hooklines. Klingt der Song "Killer" für mich insgesamt wie eine Aneinanderreihung von Brückenteilen, statt echten Versen, ist der Chorus sehr gelungen und rettet den Song mit seinen Hooks. Bei "Figure" wird man von fantastischen Hooks beinahe erschlagen, der Song geht einfach nur geil nach vorne! "In Vain" ist eine stimmungsvolle Midtempo Metalnummer bei der man automatisch mitwippt. "Lift Her" kommt mit unglaublich melodischen und ruhigen Passagen daher, die schwer gegensätzlich zum restlichen Sound sind. Man könnte glatt sagen, das sie chillig sind und das ist hier im positivsten Sinne gemeint. Der Song hat eine geniale Atmosphäre und erinnert mich telweise irgendwie an "A Horse With No Name" von America, allerdings mit Donner im Arsch. Vollgas ist bei "With Nails" angesagt, das Teil ist perfekt zum durch die Bude toben geeignet und der Refrain klingt beinahe wien Kneipenchor - hervorragend zum Mitgröhlen geeignet! "You And Your Revolution" fängt mit einem Tarentino-mäßigen Dialog an und startet dann in einen etwas schwergängigen Groove, der an ältere Werke der Band erinnert. Schlecht ist der Song nicht, dürfte aber stark geschmacksache sein. "Mother's Day" poltert etwas unrund vor sich hin, wird aber wieder durch tolle Hooks im Refrain gerettet.
Nachdem das Album mit der Revolution und dem Muttertag leicht abfiel, gehts bei "Gone Far" wieder bergauf, hier nickt man fleissig im Tackt mit und mit dem finalen Lied "Blisters" wird man nicht freundlich und ruhig verabschiedet, sondern zum fleissigen weiter rocken animiert. Wenn die 39 Minuten der CD dann vorbei sind, gibts nur eins zu tun: Nochmal von vorn!

Anspieltipps: Figure, Lift Her, With Nails

HINTERGRUNDINFO:
"Nemhain" kommt aus der irischen Mythologie und ist möglicherweise eine der Persönlichkeiten der "Morrígen", die eine Kriegsgottheit darstellt. Wer sich ausführlicher damit befassen möchte, kann das gerne bei der englischen Wikipedia tun: Nemhain, Morrígen. Ich will allerdings mehr über die Band selbst schreiben :).

2006 gegründet gabs auch gleich im Gründungsjahr eine EP namens "Blood Runs Free", die im Rock Hard Magazin zum Demo des Monats gekürt wurde: "Wenn der Rest des Materials der Band so eingängig und fetzig wie das der EP daherkommt, dürfte es nur eine Frage der Zeit sein, bis sich diese Combo etabliert hat."
Wie man bei meiner Review weiter unten lesen kann, schwächelt das vollwertige Album kein bisschen. Und auch wenn noch nicht unbedingt jeder die Band hier kennt, sind sie definitiv dabei, sich zu etablieren.  2006 waren sie als Support für Rose Tattoo dabei, coverten für die "The Misfits 30th Anniversary"-Scheibe den Misfits-Song "Die, die my darling" und waren auch 2007 wieder als Support (gemeinsam mit Municipal Waste) von Rose Tattoo auf Reisen.
Die Aufnahmen für das Debüt-Studioalbum begannen 2008 und wurden zum Jahresende im Göteburg Studio Fredman fertig gestellt. Adrian Erlandsson, Ehegatte von Frontfrau Amber Erlandsson, dürfte einigen durch sein Geknüppel bei Cradle of Filth, At The Gates und The Haunted bekannt sein. Bei der ersten Single "Second Skin" (übrigens ein Cover eines The Gits Songs) hat dann auch Peter Dolving, Frontschnautze von The Haunted, ein wenig mit ins Mikro gesäuselt, was ich allerdings eher für "names dropping" halte, denn sonderlich oft hört man den Herrn nicht.

REVIEW:
Arschgeiler, druckvoller Rock mit Punk Attitüde und fettem Metalriffing hier und da, das ganze noch dazu sehr eingängig und mit großartigen Hooklines - Nemhain. Teilweise denke ich, hier haben Glenn Danzig und Courtney Love auf musikalischer Ebene ein Kind gezeugt und dem Wesen ein Glas Punk eingeschänkt und einen Blitz gespritzt. Und keine Sorge, man kann Courtney Love ruhig hassen und Nemhain trotzdem lieben ;).
Was einem hier entgegen schlägt ist abwechselungsreich und voller Energie, Gefangene werden nicht gemacht. Der Punkeinschlag ist mal mehr (Second Skin), mal weniger deutlich zu hören (Girls Like Honey). In den etwas höheren Passagen kann Amber Erlandsson zwar nicht immer vollständig überzeugen, aber ihre Stimme hat ordentlich Druck und passt prima zur Musik. Das die Dame dank ihrem Äusseren bei den meisten Jungs für feuchte Träume sorgen dürfte soll natürlich nicht in die Bewertung der Musik einfließen, aber ich wollte es doch mal erwähnen *g*.

Es gibt viele Alben, die einen bei den ersten wenigen Durchläufen einfach nur mit ihrer Energie wegpusten, die dann aber mit der Zeit immer langweiliger werden, weil die Substanz fehlt. Bei "From The Ashes" ist genau das Gegenteil der Fall. Nachdem ich die Scheibe auf Dauerrotation im Player hatte, als sie bei mir ankam, dachte ich am nächsten Tag, dass jetzt wohl die "Arbeit" anfangen würde, die das Schreiben einer Rezension nun mal ab und an ist. Weit gefehlt! Die Songs gefielen mir noch besser als zuvor, denn jetzt kannte ich die Melodien und einige Textzeilen und konnte mehr denn je mitrocken und -singen. Das Songwriting ist dabei auch alles andere als Substanzlos.

From The Ashes
Der erste Song macht schnell klar, dass auf dem Album Power Rock und Punk Rock ein wildes Tänzchen miteinander halten. Im gehobenen Midtempo geht es nach vorne, in der Mitte wird uns ein kleines Solo kredenzt, dass in eine stimmungsaufbauende Bridge übergeht, die widerrum einen kurzen Mitstampferpart einleitet, bis es zum Ende nochmal richtig explodiert und zum mitgröhlen animiert.

ANA
Leicht gequält, sehr ruhig und nur mit Gitarre beginnt ANA. Das hält sich in etwa eine halbe Minute und dann ist Ohrenflattern angesagt. Der Song mag einen Punkrhytmus haben, ist vom Riffing her eher im Metal angekommen. Bock, mal richtig durch zu drehen? Hier ist der passende Song dafür!

Clear My Eyes
Nach rockigem Intro wirds ruhig und düster im Refrain dann rau und hart, ohne dabei Geschwindigkeitsrekorde zu brechen. Nach dem Refrain gehts dann wieder zur düsteren Ruhe über, die natürlich nicht bis zum Ende überlebt.

Second Skin
Na, nochmal so richtig abtoben? Schon das Original von The Gits (Ende der '80er, Anfang der '90er absolute Kultband in Seattle, deren Sängerin Mia Zapata leider ermordet wurde, bevor die Band zum Durchbruch kam) ist klasse, aber die Version von Nemhain legt an Energie und Treibkraft nochmal mächtig einen drauf. Der reinrassigste Punksong auf dem Album, allerdings weniger von der sonnigen noFX Art, sondern eher von der dunkleren Sorte á la Misfits.

Girls Like Honey
Der ruhigste Song auf der Platte und auch der am wenigsten eingängige, dafür allerdings auch der emotionalste. Ich würde nicht sagen, dass er richtig schlecht ist, aber im Vergleich zum Rest des Albums fällt er ein wenig ab. Das darf man unbedingt als Meckern auf hohem Niveau verstehen.

Dirty Weekend
Ist jetzt keine musikalische Offenbarung aber eine 1A Midtempo-Nummer zum mitwippen. Wenn ich den Text richtig verstehe, geht es hier um Dominanz, was auch nicht verwundert, wenn man weiß, dass Amber als Mistress Morrigan Hel ein Dominastudio in London führt.

Jane Doe
Prima Powerrocker mit einfachem Riffing, der trotz wenig Abwechselung Spaß macht. Im letzten Drittel gibts nochmal einen etwas langsameren Mitwipper-Teil, bei dem live garantiert alle mitsingen.

Heroin Child
Ein sehr ausgewogener Rocker, mit einem stimmungsvollen Solo und ruhigerem Gesangspart in der zweiten Hälfte, der nach hinten hin wieder hervorragend mitsingbar ist. Wobei man das bei der ernsten Thematik (siehe Titel) wohl kaum mit einem breiten Grinsen tut.

Mr Bronson
Der Song dürfte von Charles Bronson inspiriert sein, allerdings der britische Knacki, nicht der Schauspieler. Punkfreie Rocknummer bei der alles Stimmt. Tolle Verse, tolle Bridges, toller Refrain und vor dem Endteil ein tolles Solo, dass dem Lied das gewisse Extraplus verleiht.

Babylonia
Ruhige Verse und treibender Refrain wechseln sich ab und ganz zum Schluss gibts nochmal kurz richtig auf die Fresse. Einer der stimmungsvollsten Songs auf dem Album.

The Filth & The Fury
Waren die letzten Songs von deutlich rockiger Natur, darf hier nun wieder der Punk ab gehen. Geiles Stück, das ordentlich nach vorne geht. Es darf wieder getobt werden!

Speed Queen
Wer von "The Filth & The Fury" noch ein verschwitztes Shirt an hat, sollte es erst nach dem Song hier wechseln. Trotz des Namens nicht das schnellste Liedchen auf der Scheibe, aber ruhig bleiben kann man hier auf keinen Fall. Vor allem nicht beim grandiosen Refrain bei dem man nun definitiv vollste Erlaubnis zum mitgröhlen hat.

Anspieltipps: Second Skin, Mr Bronson, Speed Queen

Video zur Single "Second Skin":

MySpace: http://www.myspace.com/nemhainband

HINTERGRUNDINFO:
Manchmal bekommt man schon merkwürdige Newsletter, dieser hier ist zwar etwas älter und an sich zur letzten CD erschienen, am Wahrheitsgehalt der Aussagen über die Band hat sich dennoch nix geändert:

Hallo Musikfreunde,
bevor wir mit entsetzten Mails wg. pornographischer Belästigung attackiert werden. NEIN, wir sind nicht die PR Abteilung von Beate Uhse geworden. EISENPIMMEL sind eine Band (und was für eine! doch dazu später mehr) und, um weiteren Missverständnissen vorzubeugen, EISENPIMMEL sind auch nicht das neue Projekt von Joachim Witt oder ein weiterer verkorkster Rammstein Klon.

EISENPIMMEL sind KULTUR. Ruhrpottkultur. Also von ganz unten. Aus Duisburg. Drunter geht nicht mehr. Vielleicht könnte man sagen, sie sind die Punkrockversion von Helge Schneider. Aber in derbe. Wobei eine solche Beschreibung trotzdem mit Vorsicht zu genießen ist, den EP sind VIEL gefährlicher. Sie sind die Zecke am Hintern der Nation. Die Achillesferse des Systems. Der Krückstock des Kapitalismus...blablaba.... Vielleicht sind sie auch Comedy, aber das ist ja heutzutage ein böses Wort und stellt die Band in eine Reihe mit freudlosen Witzeerzählern, die man von Funk und Fernsehen her kennt. Außerdem stimmt es nicht.

Egal, jetzt haben EP eine fast neue CD draussen (auch dazu später mehr). Wer nach anhören ebendieser dann sagt.: Lustig ist anders und hier fängt der Spaß erst bei 3.0 Promille an, liegt falsch.
So einfach ist das. Denn EP SIND LUSTIG. Und Ernst. Und Politisch sind sie auch. Sogar radikal politisch. Mit anderen Worten, EISENPIMMEL sind dass, was ihr daraus macht.

Aber eins sind sie immer: vollständig unkorrekt. Gerade Deswegen: Daumen hoch für Eisenpimmel.

Mit freundlichem Gruß,

Jörg Timp / die Starkult Crew

REVIEW:

Ausnahmsweise mal ein Review Song für Song:

2 Baut mehr Innenstädte!
Wuhu weiblicher Gesang! Eine realkritische Satire auf die Betonwüsten in den Städten, Punkrock pur.
8/10

3 Man muss dat Saufen nämlich nehmen wat dat Saufen is nämlich Saufen
Wer den Liednamen noch flüssig aufsagen kann wenn man in dem im Text beschriebenen Zustand, nämlich saufen, kriegt definitiv noch einen ausgegeben, nämlich zum saufen. Ergibt das irgendeinen Sinn? Nein ich glaube kaum, weil dat Saufen is numma dat Saufen und das musste nämlich nehmen wie das Saufen! Extrapunkte für das herrlich lustige Outro!
nüchtern: 3/10, 3 Bier: 5/10, 6 Bier: 7/10, mehr Bier: 10/10 ;-)

4 Füsse hoch, Fernsehen an, Arschlecken!
Der Titelsong, da darf man mal gespannt sein. Jawoll, so muss dat. Gemütlicher Reggae und endlich mal n Lied dat sacht wie dat wirklich so is wennste Arbeitslos is. Da machse zwischen Porno und Fußball noch ma schnell son Musik Album. Und dann wieder Füße hoch, Fernsehen an und Arschlecken.
7/10

5 Ein Bett im Bahnhof
Wenn man ma kein Platz zum Pennen hat, kann man sichs immer noch irgendwo aufm Bahnhof gemütlich gemachen. Am besten natürlich dem Duisburger Bahnhof, von dem gleich auch noch ein bisschen Geschichte erzählt wird. Siggi singt aber lieber von seiner Matraze. Und wieder straighter Punkrock.
8/10

6 Pogo Pogo Pogo
Mwaha, 1:40 lang abgehen bitte! Live sicher ein Brüller, hier eher Füller.
5/10

7 Huka-Tschaka Töff Töff
Jaa wir fahren mit der Eisenbahn, Huka-Tschaka Töff Töff! Wir fahren mit der F****bimmelbahn, da hängen lauter P*****ner dran.... Kann man so ein Lied irgendwie bewerten außer mit schweinegeil? Tittengenial?
10/10

8 Gestatten: Katlewinski
Eine Anleitung wie man Frauen rumkriegt, schickes Solo zwischendurch.
7/10

9 Whole Lotta Schulden
Endlich wieder Punkrock. Andererseits eine Verherrlichung des kapitalistischen Systems und wie der industriell-politische Komplex den kleinen Mann ausnutzt. Ach wer interessiert sich sich schon dafür?
8/10

10 Mmmh... Lecker
Wir wolln schließlich Bier! Lagerfeuerromantik zum Anstoßen. Bier ist außerdem politisch korrekt, der kann ja nix dafür datter so gut schmeckt. Sehr schön selbstironisch.
8/10

11 Keine Ahnung
Eisenpimmel über sich selbst: Von nix ne Ahnung, aber Mucke drüber machen.
7/10

12 Generation Bier
mehr Bier, türlich Kollege. Wir sind die Guten hier, mal ohne Scheiss. Nur Bier is dat wahre!
8/10

13 Titten Gedächtnis Song
Da fällt mir spontan ein Song der befreundeten Lokalmatadore ein: Ich hätt so gerne Titten, denn Titten find ich schön. Schade das der Titel schon belegt war, der Rezensent schließt sich der Meinung der zwei Bands vorbehaltlos an.
8/10

14 Anderes Thema
Nach Schlagergedudel mit Gitarrenversatz jetzt Minimal Synthies? Madame Sängerin deren Namen ich noch nachschlage macht sich für andere Themen, z.B. Joghurt, stark. Ihre Gesangsversuche zum Ende hin bringen wenigstens nochmal Abwechslung zum eintönigen Vorlesen davor, retten den Song aber auch nicht vorm Totalausfall.
3/10

15 Skat mit System
Dafür gehts danach nochmal ab mit einem ausnahmsweise politischen Lied. Auf 2 Minuten komprimiert was in die anderen Lieder nicht reinpasst. Brüll und Frustattacke gegen die Regierung, das System, die Bundeswehr und alle andern auch.
8/10

16 Aber sowat von
Outtake mit Gesprächen über Bier, Geld, Frauen und die Aufnahmen. Nach 5 Minuten wird man sich schließlich einig und es geht mit ner Bluesnummer weiter. Ach von wegen, sowat von Punk wie Sängerin Bärbel Rotzky is sowieso keiner.
Gelaber: äh.. Song: 7/10

Gesamtschnitt: 6,125 sagt jedenfalls der Taschenrechner. Ich runde das auf Sieben auf, die zwei Ausfälle sind zu verschmerzen. Mit mehr Bier intus wird das Album eh zur 12/10 ;-)

Erwähnung finden sollte hier auch noch das ca. 3 Euro teurere Boxset "Gammelfleisch süß-sauer"  aus der Hartz IV Gourmetküche bei Kaputte Jugend Records. Darin enthalten: ein original unterschriebener Bierdeckel Marke "Duisburger Fußpils" mit Echtheits-Zertifikat, ein Flyer der "Pizzeria Spacko" und die Fernsehzeitung "TV Pimmel". Bei den Extras hat man sich wirklich Mühe gegeben, die Pizza Punk mit frischen, bunten Haaren und großem A würde ich mir jedenfalls bestellen. Die Fernsehzeitung beschreibt die Sendungen für irgendeine Woche im privat Fernsehen, das beste für Hartz IV Empfänger und andere Vollidioten. Herrlich! Wer für den Spaß die paar Kröten mehr investieren will, soll das ruhig tun. Lohnt.

Offizielle Homepage: www.kaputtejugendrecords.de
MySpace: www.myspace.com/eisenpimmelduisburg
Amazon: www.amazon.de

BAND:
Herr JA
Herr Go
Herr Schreck
Herr Buh

Ich freue mich immer wieder über alte Bekannte schreiben zu können. Genau dies ist heute der Fall ... Goja Moon Rockah haben bei „echozone“ eine neues zu Hause gefunden und veröffentlichen im Oktober ihr neues Album „Disco Dracula“. Das Trio Goja Moon Rockah produzieren starken Elektro-Pop, der definitive tanzfähig ist.

Das Scheibchen startet mit „Es Regnet In Hamburg“, einer kleinen Einführung in das Album. „Minimale Totale“ setzt den Start direkt um und liefert zugleich eine kleine Bandvorstellung. Bei „Radio Hit“ musste ich ordentlich schmunzeln, da es mich selbst ja auch etwas betrifft ... der dazu gehörige „Radio Hit (Wet 'n' Wild Santa Hates You Remix)„ ist etwas härter, doch hält sich an die Grundstruktur und bietet einen einfachen Grundrhythmus. Die ersten Sekunden von „Banana Split“ fühlte ich mich in meine Kindheit zurück versetzt, die Melody entspricht des Werbesongs der alten Atari-Spielekonsole. Amüsiert höre ich mich weiter durch das Album und stelle fest, dass ich den Titelsong erreich habe. „Disco Dracula“ beginnt überraschend ruhig, doch entwickelt sich der Track recht zügig zu einem Tanzstück, das in jeder Diskothek Zuspruch finden würde. „Heavy Metal Computer“ erzählt eine seichte Liebesgeschichte zwischen dem Benutzer und seinem Computer, diese Geschichte soll einen Hauch von Glück vermitteln und sie schafft es auch wirklich – das Heavy Metal im Titel hat aber keine tiefere Bedeutung für die musikalischen Auswirkungen, das Stück ist wie gewohnt im Elektro-Pop Stil. Etwas dramatisch gehalten wirkt „Mein Vampir“, dagegen wirkt „Hey Sugar“ einfach nur düster. Partymusik erwartet man bei „Vampire Party“ und man bekommt sie auch, ein amüsanter Text ziert das Ganze und ich denke, man könnte es sich auch bei einem Glas Rotwein anhören.

Wir haben die Halbzeit erreich. „Monsterdruck“ bietet leider keine neuen Fasetten und führt das Grundprinzip des Albums weiter. Man könnte bei „Jetzt kommt die Nacht“ fast von einer Elektro-Ballade sprechen – Ruhig, düster und einladend gehalten, bekommt der Track eine ganz eigene Stimmung, im Vergleich zum restlichen Album. „M.t.u.o.r.f.s.g.i.d.a.r“, dessen Bedeutung mir noch immer nicht ganz klar ist, ist das indirekte Ende.

Goja Moon Rockah haben mit „Disco Dracula“ ein interessantes Werk produziert und können mal wieder stolz auf sich sein, dass sie sich von der regulären Musikwelt abheben. Die Anpassungsfähigkeit von Goja Moon Rockah ist sehr faszinierend, da das Album in vielen Musikreligionen anerkannt werden wird. Die Mischung macht es eben doch aus!

Entweder gefällt es einem, oder eben nicht. Die Fans werden weiterhin Fans bleiben und es werden sicherlich neue hinzukommen.

Heute dreht sich mal wieder Alles um die Schweden, um genau zu sein um Stone Lake.
... das sagt euch nichts? ... ihr Banausen!

Stone Lake präsentieren ihr 4. Album „Shades Of Eternity“ und geben uns damit eine ordentliche Packung Power Metal mit auf den Weg. Ich muss zugeben, dass diese Scheibe nicht zu ihren Besten zählt, doch einiges interessantes zu bieten hat.

So wie es sich für ein Album gehört, ist der Titelsong auch der Opener. „Shades Of Eternity“ ist sehr eingängig gehalten, was natürlich stark für das Album spricht. Der 2. Titel nahm mir direkt den Elan und ich begann mich zu fragen, wo die Power steckt ... bekanntlich fabrizieren Stone Lake Power Metal. Ausrutscher passieren, dachte ich mir und ging zu „End Of The World“ über. Spätestens hier fällt einem auf, dass die Songtexte auch schon besser waren. „Rescue Me“ und „Dangerous“ stechen durch nichts hervor. „Can't Steal Your Heart“ ist eine gelungene Melodic Metal Ballade, die sich perfekt ist das etwas mittelmäßige Werk einfügt. Kurz vor dem Ende sehe ich doch noch Land in Sicht, „Revolution“ vereint Power mit Metal und so sind wir wieder beim Power Metal! ... lieber spät als nie. Der einzige Track, der ansonsten noch heraussticht, ist unumstritten „Fly Out“ - kraftvoll, eingängig und bestimmt bahnt sich der Text, wie auch die Melodie einen Weg in das Ohr des Hörers.

Wir sprechen bei „Shades Of Eternity“ von keiner Meisterleistung und auch die Fans werden sehr bedrückt sein, denke ich. Die Vermutung liegt nahe, dass sich Stone Lake dieses Mal etwas zu sehr beeilt haben, eine neue Scheibe auf den Markt zu bringen.
Wie ich schon sagte, gibt es nennenswerte Stücke auf der Platte, doch zum Großteil ist es leider nur 0815 Metal. Ich frage mich, wo die knallharten Gitarrenriffs und die durchdringenden Drums sind, die ich von Stone Lake kenne. Das ganze Album ist zu mittelmäßig geworden.

FAZIT:
Also Jungs, für das nächste Album gilt; Nehmt euch etwas mehr Zeit und zeigt uns, was ihr könnt, denn beim jetzigen Album macht das Zuhören keinen sonderlichen Spaß.

BAND:
 Siggy Rock (vocals)
 Schnalli (Batterie)
 Rave Paulsen (untenrum)
 Hase (Drähte)
 Johnny Fitten Vegas (Drähte)

WERTUNG:
7/10

inklusive einem halben Pluspunkt für die Live Aufnahme

REVIEW:
Im Jahre 2003 wurde von Julez (Guitar / Vocals) Marco (Guitar), Gunter (Bass) und Bene (Drums / Vocals) eine Punk Rock Band gegründet. Doch schon 2 Jahre später wurde das Genre gewechselt, was gut für die Band war, denn nun spielen die 4 Jungs Classic Hard Rock, wobei sich im Laufe der Zeit auch das line-up wesentlich geändert hat:

(März 2008 - bis jetzt)
Julez - Voc. / Guit.
Marco - Lead Guit. / Back. Voc.
Konstantin - Bass Guit. / Back. Voc.
Armin - Drums
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(Februar 2008 - März 2008)
Julez - Voc. / Guit.
Marco - Lead Guit. / Voc.
Armin - Drums
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(Februar 2008)
Julez - Voc. / Guit.
Marco - Lead-Guit. / Voc.
Gunter - Bassguit.
Armin - Drums
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(August 2003 - Februar 2008)
Julez - Voc. / Guit.
Marco - Lead-Guit.
Gunter - Bassguit.
Bene - Drums / Voc.
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(Anfang 2003 - August 2003)
Julez - Voc. / Guit.
Bene - Drums


Im Vergleich zu ihrer ersten Scheibe „Able to Rock...“, die am 20. April 2006 erschien,  hört man definitiv den Klangunterschied und auch der Gesang wirkt nun runder.

Los geht es mit „White Line“, einem Song der mich vom Gitarrensound her an AC/DC errinert. Worum es in dem Lied geht wird spätestens beim Refrain klar: „White Line on the mirror“. Der Song als ganzes ist für mich das beste Beispiel das der Classic Hard Rock noch immer Schwung hat und Spaß macht. „Backseat Rhythm“ wirkt sehr monoton und das durchgehend. Nur der Refrain hat eine tolle Melodie und das Gitarrensolo ist tadellos. An den Texten wird eindeutig klar das diese Jungs das Rockmotto :“Sex, Drugs & Rock´n´Roll“ sehr verehren.

„Stiff for life“ regt die Nackenmuskeln an, da fällt es einem wirklich schwer den Kopf ruhig zu halten. Es kommt einem alles sehr bekannt vor, wie ein Deja-vu , ein Sound den man fasst schon vergessen hat, wird hier zelebriert. Zu erkennen ist, dass sie nicht den Classic Hard Rock verbessern wollen, sie wollen ihn nur weiterleben lassen und den Leuten dieses Genre näherbringen, was ihnen auch teils sehr gut gelingt mit dieser EP.

Besonderheit:

Die CD ist im Vinyl Style gehalten und es liegt ein stylischer Stroker Ace Aufkleber bei.

Was viele, die Cripper das erste Mal hören, nicht glauben können: Das ist tatsächlich eine Frau am Mikrofon. Im Gegensatz zu Angela Gossow (Arch Enemy), bei der man die Weiblichkeit bei näherem hinhören durchaus hört, hört man hier so ziemlich gar nichts weibliches. Das soll nichts negatives heißen, zum Thrash passt die Stimme wie Arsch auf Eimer!

REVIEW:
Der Vorgänger war in meinen Augen/Ohren ein solides 7 Punkte Album. Thrash Fans konnten bedenkenlos zugreifen, mich persönlich hat allerdings die zu staubtrockene Produktion etwas gestört, da sie den Instrumenten einiges an Power nahm. Auch haben mich die Refrains nicht sonderlich weggefegt und der Gesang klang teilweise recht angestrengt und eintönig. Auf "Devil Reveals" wurde ein deutlicher Qualitätssprung gemacht. Die Produktion ist satt und druckvoll, Britta singt abwechslungsreicher und es gibt ein paar Songs, bei denen ich einfach nur "GEIL!" sage.

Was mich bei vielen Intros diverser Alben langsam nervt, gibts bei "Helix", dem Intro dieser Scheibe hier, nicht. Es wird nicht auf mystisch gemacht, es gibt kein ellenlanges Gesabbel und O-Töne, es geht direkt mit satten Gitarren zu einem schwungvoll getragenen Drumbeat los. Von Anfang an ist man auf Metal gepolt und das wird dann auch geliefert. "I [...]" pumpt dem geneigten Mosher mit einem klassischen Thrashbeat die Haare aus dem Gesicht, dass es eine wahre Freude ist. "Life Is Deadly" macht ebenso wenig Gefangene. Eine kurze Ruhepause bietet die Einleitung von "Kids Killing Kids" die dann zu einer Midtempo-Wumme übergeht, der die saubere Produktion sehr gut steht. Schön abwechslungsreich kommt "Caged With A Gun" daher. Flottes Gebolze, Midtempo-Parts und ordentliche Brücken wechseln sich sehr passend ab und man ertappt sich immer wieder beim spontanen Mitwippen. Wenn man dazu noch den Refrain kennt, bekommt man auch spontan Bock aufs Mitgröhlen.  "Junkie Shuffle" präsentiert sich als solider Thrasher, ohne große Höhen und Tiefen. "More Than 4" setzt sich auf die gleiche Bank: muss man nicht skippen, gefällt, aber nicht wirklich lebensnotwendig. Ob "I Am The Pit" im Hinblick auf ein feistes Circle Pit geschrieben wurde? Keinen Ahnung, aber ich könnte mir gut vorstellen, dass es bei diesem kürzesten Song auf dem Album ordentlich im Pit abgehen würde. Flott und druckvoll, da macht der Pogo Spaß!
Viele Alben fallen zum Ende hin etwas ab. Oooooh mein Gott, an dieser Stelle bekomm ich feuchte Augen vor Freude... auf diesem Album kommt das beste zum Schluss und zwar so gewalltig, dass mein Puls schon vor dem Einsetzen der kommenden Songs vor Vorfreude schneller schlägt. Der Titelsong "Devil Reveals" ist einfach nur eine Walze, die einen mit einem fetten Klangteppich überrollt ohne dabei sonderlich schnell werden zu müssen. "FAQU" ist eine Headbangernummer erster Güteklasse und definitiv DER Mitgröhler des Albums (aus dem Refrain: Fuck me? Fuck you! Fuck me, I fuck you, too). Wer die Matte hier ruhig halten kann, sollte die gelben Stöpsel aus den Ohren nehmen.
Das 73 Sekunden kurze "Methods In Madness" baut einen netten Spannungsbogen auf und dient als Intro zu "Hysteria". Und wenn "Hysteria" loslegt, ists auch wirklich Zeit, hysterisch zu werden. Das Teil geht einfach mörderisch ab und ist einer meiner Lieblingssongs auf dem Album. Direkt nach vorne, Refrain zum Mitmachen, eine stimmungsvoller, ruhigerer Mittelpart und dann ein Abgang zum wild werden und abmoshen. Wenn dieser Song vorbei ist, ist man so in Schwung, dass die Reaktionszeit zum nächsten CD-Start extrem kurz ist - wenn man die Scheibe nicht eh schon auf repeat laufen hat.

Bei Soaring handelt es sich, mal ganz grob gesagt, um eine Alternative-Rock-Band, die sich keinem direkten Genre unterordnen möchte. Ich bin mir unschlüssig, ob wir bei „Analog Distress“ von einem Debüt-Album sprechen oder nicht, da sich hier rüber keine Informationen lokalisieren lassen. Der Stil von Soaring lässt sich nicht einfach beschreiben, hier spielen mehrere Einflüsse eine Rolle. Vom typischen Alternative-Rock, über angeblichen Progressive-Rock, Gothic bis hin zu gefühlvollen akustischen Stücken und ein paar härteren Riffs, die wir auch im Metalbereich finden, haben wir auf „Analog Distress“ eine große Vielfalt an Stilrichtungen, die dafür sorgen, dass die Band in keine spezifische Schublade gesteckt werden kann.

Der Opener „Start Again“ zeigt uns einen Auszug aus der Vielseitigkeit von Soaring, wobei direkt die Stimme von Frontman Stephan Kohser etwas fragwürdig um die Ecke kommt. Musikalisch und kreativ gesehen ist das Stück schön stimmig, doch die Stimme lässt einen etwas ins trudeln kommen. Stephan fehlt definitiv die Übung und auch das Gefühl um diesen Song zu performen. Bei „What's Going Wrong“ haben wir das gleiche Problem, ich vermisse hier Gefühle in der Stimme, die den Text glaubhaft rüber bringen. „The Only Ones“ zeigt eine geringe stimmliche Besserung, doch der Songtext geht mal wieder zum Großteil unter. Voller Elan und Hoffnung auf Besserung stürzt man sich auf „Grow Apart“ und findet somit ein sehr melancholisches Stück, zu dem man kann nur dazu sagen, dass es das erste Stück ist, indem man Stephan glauben kann. Nachdem man den Willen wiedergefunden hat, sich die Platte zu Ende anzuhören, kommt auch schon „Life Is Killing Me“ - hier hätte man sich, anhand dem Songtext, mehr Aggressionen gewünscht. „Destiny“ hat eine sehr rockige Grundmelodie, doch Stephan nimmt mit seinem gefühllosen Gesang den Wind aus den Segeln. Es kann eigentlich nur besser werde, was „Lose Again“ auch unter Beweis stellt – ein akustischer Track, in dem man Stephans Gefühle wahrnehmen kann. Bei den restlichen Songs handelt es sich um das grundlegende Problem des ganzen Album: Stephan's Gesang. „Reach Out“ kommt sehr düster angehaucht aus den Boxen und „Shades Cover You“ hingegen sehr verspielt, besticht aber durch sehr atmosphärische Refrains.

In dem Info-Letter findet man Aussagen, die einen sehr nachdenklich stimmen. [...] unverbrauchte Rockmusik zwischen Progressive-Rock, Alternative, Metal und einem Schuss Gothic. [...] Alternativ-Rock; vorhanden. Gothic; vorhanden. Metal; musikalisch vorhanden, stimmlich = 0. Progressive-Rock; beim besten Willen, NEIN!

REVIEW:
Am 03.04.2009 waren Megaherz im Kaminwerk in Memmingen zu Gast und im Gepäck eine Band Namens Apron aus München. Zu dem Zeitpunkt hat mir der Name noch nichts gesagt, ich hab zwar gewusst das es übersetzt "Schürze" bedeutet, aber das half mir nicht weiter. Angekündigt wurden sie als Mischung aus Korn und Slipknot, da dachte ich mir schon, oh weh was wird das nur sein. Kaum im Kaminwerk angekommen und vor der Bühne, kommt uns schon ein teilmaskierter, bemalter Typ oberkörperfrei entgegen. Wir er uns erzählt hat handelte es sich um Medusa, den Drummer, welcher durch das Publikum lief um Werbung zu machen und alle vor die Bühne bat. Sehr überrascht und perplex folgten wir der Bitte und bereuten nichts! Doch die versprochene Mischung aus Korn und Slipknot war nicht ganz vorhanden, zum Glück kommt eine RIESEN Portion System of a Down in den Klang. Richtig geiler Sound schmetterte uns entgegen und schon bewegten sich unsere Köpfe. Rein nach ihrem Motto „Violence Is Our Art – Crosscore is Our Sound" spielten sie auf wie die Größten. Eines der Highlights war definitiv der Einfall mit der Antwort „Fi*k dich!“ auf die immer wieder gestellte Frage „Wie geht es euch?“, da gab jeder alles. Leider waren zu dem Zeitpunkt als sie spielten noch sehr, sehr wenig Gäste da, sodass richtig Stimmung nicht aufkam. Nun haben mir die Jungs ihr Debütalbum „Apron“ zugeschickt, und ob das genauso abgeht erfahrt ihr im Folgenden.

Los geht es mit einem sehr ruhigen Intro, indem man eine Spieluhr oder ähnliches aufzieht. Doch wenn Track 2, „Shadow Clown“, anläuft merkt man sofort auf was man sich gefasst machen muss, hartes Gitarrengezupfe und abwechselndes Geshoute und freundliche Stimme á la Serj Tankian, sowie etwas sehr komisches Gelächter, verpackt in einem hardcorelastigen Gesamtpacket. „Pure and Real“ beginnt zuerst mit einem Gitarrenintro, das sehr druckvoll daherkommt, bis die Drums den Takt vorgeben und von rauchigem Geshoute kurzzeitig gestoppt werden. Dann setzten kurz danach Trommeln ein, die das ganze nach Karibik klingen lassen. Und das ganze wechselt sich durchgehen ab. Mit so etwas wie einem „Oooooohhhhhmmmmmmmmm“ beginnt „Ghost in the Machine“ zusammen mit einem Klang, welcher einer Triangel  gleicht. Dadurch wirkt der Song von  Anfang an sehr stimmungsvoll und böse und diesmal gibt es bis an einer Stelle keinen lieblichen Gesang, was aber dem Gesamtbild des Songs gut steht. Ihr Song „Broken Child“ beginnt richtig brachial und mit viel Wut, wechselt aber dann zu einem Sound über, der wieder nach Karibik und Strand klingt. Das Ganze passiert natürlich wieder im Wechselstil, wodurch nicht nur der Song nicht langweilig wird, sondern das ganze Album immer interessant bleibt.

Schnell, aggressiv und zum Pogen animierend kommt „Cornflake“ daher, vorallem der sehr eigenartige Text überzeugt hier doch stark. „I´m sitting on a cornflake...“ *sing*. Sehr stimmungsvoll ruhig bietet sich „El Rio“ an, welcher aber auch schnellere Akzente beinhaltet. „Chop Chop (Trigger My Rage...Inspire My Violence)“  ist wohl sehr, sehr außergewöhnlich, vor allem was die Stimme angeht. Da wird von Gröhlen, Singen und Shouten bis hin zur Kinderstimmenimitation alles versucht. Eines der wenigen Lieder die mir nicht so gefallen wollen ist „Hyde...“, da gefällt mir nur der Refrain, denn die restliche Zeit wiederholt sich ein Gitarrenriff, das sehr hoch und langgezogen ist und mir tierisch auf die Nerven geht, im wahrsten Sinne des Wortes. Tiefe Gitarren unterstützt von einem lauten, zackigen Bass und einem schnellen Getrommel, so baut sich der Anfang von „Swallow...Drown“ auf, was aber des öfteren im Song wiederholt wird und einen geilen Beat aufweist. Etwas rockiger zeigt sich „World at War“, wo sich Singen und Shouten miteinander vereinen. Das Ende des Albums ist der Track „Game Called Rejection“, welcher das Ganze etwas abrundet indem er sich eher auf Gesang spezialisiert und nicht mehr so aggressiv klingt.

Was passiert, wenn ein paar erfahrene Musiker die Köpfe zusammen stecken? Jeder, der sich diese Frage schon einmal gestellt hat, sollte sich das Debüt-Album von Mob Research kaufen. Hier finden sich bekannte Namen, wie Kory Clarke (Frontmann von Warrior Soul) oder Nick Lucero (Ex Queens Of The Stone Age Drummer) wieder. Das Abmischen übernahm unter anderem Tim Palmer, der auch schon für die letzten Him-Alben zuständig war und sorgt somit für eine einwandfreie Qualität. Eine tragische Geschichte ist mit dem Debüt-Album „Holy City Zoo“ verbunden, denn die Produktion hat sich nur solange hingezogen, weil Paul Raven (Gründungsmitglied und Bassist) verstarb.

Mob Research fabrizieren Ursprungsrock mit einer sehr markanten Note des modernen Industrial. Das Ergebnis hierbei ist trashhaltiger und vor allem dreckiger Industrial-Rock. Korys rauchige Stimme passt wunderbar zu den aussagekräftigen Riffs. Und Nick hat nichts verlernt und brettert immer noch frontal auf einen ein, so dass man keine Chance hat dem Rhythmus zu entgehen. Paul hat zu Lebzeiten noch gezeigt, was in ihm steckt und bringt sein Talent am Bass filigran, aber auch sehr kräftig und durchdringend auf den Punkt.

„Holy City Zoo“ hätte man auch als Doppel-Disk veröffentlichen können, da das Album ordentliche Remixe (unter anderem von SinDaddy) enthält, die sich vom Rest abheben. Der Opener „Tribe“ zeigt einem direkt, wo der Hammer hängt, darauf folgt direkt der Titelsong „Holy City Zoo“, der noch etwas rockiger um die Ecke kommt. „New Paradigm“ ist etwas ruhiger gehalten, was aber der Stimmung des Albums nichts anhaben kann. Bei „Manufactured Terror“ kommt die herausstechende Gitarrenarbeit gut zur Geltung und wird von Korys angerauter Stimme abgerundet. Bei „Skull And Bones“ hat man das Gefühl dem Urrock zu begegnen – die klaren Klänge, wie auch die klare Stimme verleihen diesem Track das gewisse Etwas. „Atmosphere“ ist mit abstand der ruhigste und gemütlichste Track auf „Holy City Zoo“ und er sorgt für einen stimmigen Abschluss.

Wir sind natürlich noch nicht am Ende. Auf dem Debüt-Album befinden sich noch 7 Remixe, die man aber nicht als netten Zusatz betiteln kann. Bei den Remixen handelt es sich um eigenständige Tracks, die durchaus an die Originale anschließen, aber dem ganzen ein Eigenleben einhauchen. Rockiger und industriallastiger laden genau diese Remixe zum tanzen ein.

Hier handelt es sich um ein Album, von dem keiner mehr glaubte, dass es veröffentlicht werden wird. Tragische Umstände hindern Mod Research scheinbar nicht daran, ein gekonntes Zusammenspiel von erfahrenen Musikern hinzulegen. „Holy City Zoo“ deckt ein breites Spektrum an Musik-Genres ab und bietet somit für jeden etwas.

Kaufenswert!

REVIEW:
Als „Freidenker Rock´n´Roll“ betitelt das Quintett Johnnie Rook seine musikalische Ausrichtung. Die Band gibt es seit 2003 und stammt aus Berlin. Ihr nunmehr drittes Album nennt sich „Rabatz“ und ob hier wirklich Rabatz gemacht wird, will ich euch näher erläutern. Als Leadgesang fungiert Franziska, welche in einigen Stücken auch ein Duett singt. Franziska hat sogar eine Gesangsausbildung an einer staatlichen Musikschule absolviert, was sich auch an einigen gekonnten Einlagen erkennen lässt. Aber nun Schluss mit dem Geplänkel, rein mit der CD.

Ein kurzer Trommelwirbel und dann steigen schon die Gitarren ein, welche den Song richtig beschleunigen. Bis plötzlich eine zarte Stimme einsetzt und die Hetzjagd etwas beruhigt, aber dennoch druckvoll und melodisch den Ablauf verfeinert, wenn auch der deutsche Akzent raus zuhören ist. Das war der Opener „Put your gun down“. Im Folgenden wüten die Gitarren voraus, schnell und kantig, schön punkig. „Herz statt Faust“ bietet nun einen deutschsprachigen Text, was Abwechslung in das Album bringt und auch besser zu dem Gesang passt. Etwas rockiger und skalastiger würde ich fast sagen fügt sich der Song schön ein und vorallem gegen Ende wird kurzzeitig der Instrumentenpegel runtergeschraubt und der Gesang tritt wundervoll in den Vordergrund und lädt förmlich zum Träumen ein. Damit auch die Headbanger-Fraktion zufrieden gestellt wird, haut „Ikarus beim Klassentreffen“ einen schönen aggressiven Takt raus, der stark von den Drums geprägt ist. Ein schöner Misch aus Punk und Rock´n´Roll. Was mir bis hier auffällt sind doch die Texte. Unter Freidenker Rock´n´Roll stell ich mir Texte vor, die zum Nachdenken anregen, ironisch sind und etwas kritisieren, aber bisher finde ich nichts dergleichen so richtig vor. „Couldn´t you love me“ beginnt wie ein Ska-Lied, beschleunigt aber wie ein Lotus Elise zu Akkorden, welche sich gegenseitig jagen, bis sie wieder gebremst werden und Skagezupfe erneut einsetzt. Das ist für mich Punk´n´Roll, was „Back to the Shadows“ bietet ist großes Theater, das gehört für mich zu den Anspieltipps dieses Albums. Rockige Gitarren, die durch die Drums angetrieben werden, und dazu noch die laute und deutliche Stimme von Franziska - einfach geil. Dann gegen Ende noch ein Soli, das richtig zum Tanzen, jeder wie er will ;),  einlädt. BASS. Mein Erster Gedanke beim nächsten Song „Wer will, der kann, der Macht“. Der Bass zupft eine Melodie vor sich hin, die mir fast schon Gänsehaut bringt und plötzlich schreit mir eine Männerstimme entgegen die richtig aggressiv und knallhart daher kommt. Textlich geht es hier wohl ums BMX-Fahren, denn es beginnt mit: „Das Fahrrad unterm Ar*ch, das Herz in Hand und Knie“, und da Jan, der Bassist, BMX-Fahrer ist würde das Intro sogar diese These unterstützen.

Als ich den nächsten Songtitel las, hatte ich nur einen Gedanken: What the F*ck?! Denn was ist auf den ersten Blick ein MittendrIntro? Es ist kein Intro und kein Outro, es ist zwischen drin und hat die selbe Aufgabe, anheizen. Was durch die stimmigen Soli auch gelingt. „Gegen den Horizont“ besticht vor allem durch den Gesang und den einfach gehaltenen Refrain, der explizit das Punkgenre anspricht.  Bei „Count to 4“ gibt es ein schönes Duett zwischen der zarten und der harten Stimme. Das Lied klingt im ganzen sehr rhythmisch und rockig. „Manifest“ ist ein Lied was sich sehr hymnisch darstellt und bei dem man sich in die Stimme fast schon verliebt. Wenn im Refrain Franziska singt: „Meine Hand passt viel zu gut in deine, deine Lippen schmecken oh so süß“ weiß man, dass sich die Gesangsausbildung wirklich gelohnt hat. Bei „The Fragrance of success“ und „Catchwords and Headlines“ lässt sich sagen das es wirklich was auf dem Album gibt, was den Fans gefällt, die harte, aggressive Musik wollen, aber dennoch Rock mögen. Und um die Abwechslung auf dem Album zu vollenden ist mit „After All“ eine Ballade vorhanden, welche im Duett gesungen ist. Und dann kommt noch „Jule“. Nun ja, als was könnte man das einordnen...ich würde es als komödiantische Punk-Geschichte einordnen. Beim hidden track lag ich auf dem Boden. SPONGEBOB! Kommt doch glatt die Intro Melodie von Spongebob und dazu noch sinnloses Gebrabbel von der Band, gepaart mit viel Bierflaschengeklimper und Gerülpse. Dazu noch stupides Gestöhne und Kinderstimmen die sagen: „Wir trinken gern Bier“. Und ein Piepston darf nicht fehlen, am Ende fängt Franziska das fluchen an und die „bösen“ Wörter wurden mit Piepsen über deckt.

TRACKLISTE:
01. Get It Up
02. Livin' In The City
03. Goodnight New York
04. Give It All
05. Degeneration
06. International Anthem
07. The Last Icon
08. Inspermental
09. Tattoos & Dirty Girls
10. Superslave
11. Dead Like You (Freeloader)
12. Fire Your Guns
13. Cold Hard Day
14. You Can't Stop Me From Flying
15. Travel

Anspieltipps: Livin' In The City, Tattoos & Dirty Girls, Cold Hard Day

Als Review-Schreiber bekommt man des Öfteren ordentlichen Schund vor die Nase gesetzt und möchte die Platten einfach in den Müll werfen. Es erfreut einen daher um so mehr, wenn man einfach mal „WOW!“ sagen kann. Eigensinn veröffentlichen mit „Die Wahrheit“ ein Debüt-Album, das sich hören lassen kann. Bei Eigensinn handelt es sich um eine deutschsprachige Alternative Rock Band, die ihre Einflüsse aus den Bereichen Gothic, Rock, Metal und NDH beziehen. Eine gewagte und doch selbstbewusste Mischung, die eine breite Masse ansprechen wird. Es ist eher selten, dass sich eine Band soviel Zeit lässt, um ein Debüt-Album zu präsentieren und dennoch handelt es sich bei Eigensinn um einen 4 jährigen Entwicklungsprozess. Man könnte Eigensinn als guten Wein betrachten, der lange auf sich warten lässt, aber hält was er verspricht.

Eigensinn könnten dem ein oder anderen schon ein Begriff sein, denn sie haben bei ihren beeindruckenden Live-Konzerten genügend Aufmerksamkeit auf sich gezogen.

Das Album „Die Wahrheit“ bietet 13 Tracks und eine knappe Stunde qualitativ gute Unterhaltung. Nemesis schafft es, jedem Track eine eigene Note zu verleihen, ob diese nun zornig, melancholisch oder hart ausfällt spielt dabei keine Rolle, da ihre Stimme eine starke Intensität ausstrahlt. Sie legt sich nicht fest und bietet so, durch das ganze Album hindurch, abwechslungsreiche Facetten (von der typischen Rockröhre bis hin zum sanften Sprachgesang) ihrer Stimme.

Der Opener „Kraft“ beginnt leicht elektrolastig und orientalisch mit der verzerrten Stimme der hübschen Frontfrau und man ist sich etwas unschlüssig darüber, was einen bei diesem Track erwartet. Die Unschlüssigkeit verfliegt spätestens an dem Punkt, an dem die Drums kraftvoll und gekonnt einsetzen. „Sternenkind“ und der folgende Track „Eiskalt“ bestechen durch ihre Texte und sprechen jedem aus der Seele, der sich schon einmal mit Liebe und Trauer befasst hat. Der Titelsong „Wahrheit“ beginnt unerwartet mit einem männlichen Sprechgesang und ist textlich, wie auch musikalisch, sehr provozierend. Textpassagen wie „Diese Welt kennt nur was ihr missfällt - Diese Welt ist regiert von Geld - Wir lassen es geschehen, in dem wir weg sehn“ verleiten den Hörer nachzudenken. In „Schrei“ finden sich elektronisch angehauchte Elemente wieder und man könnte den Track als Antwort oder als Schlussfolgerung auf den Titelsong „Wahrheit“ ansehen. Ein Track, der sich wirklich abhebt ist wohl „Feuerengel“. Hier bekommen wir Alles, von der angehenden Ballade, bis hin zum rockigen Refrain und zusätzlich zeigt uns Nemesis ein gutes Stück aus ihrem stimmlichen Spektrum.

„Überlicht“ kann ein recht zügiges Tempo vorweisen und ist textlich anspruchsvoll und melancholisch. Die bisherige gekonnte Mischung aus Instrumenten, Stimme und Text finden wir auch in „Freier Fall“ wieder und wir landen danach direkt bei „Spring!“. Kräftige Gitarrenriffs und eine matte Stimmfacette zeichnen „Macht“ aus - einer der wenigen Tracks, die in Richtung Metal marschieren. Bei „Heute Nacht“ ist das Hauptaugenmerk auf die Stimme von Nemesis gelegt und sie kostet es in vollen Zügen aus. Der ruhigste Track auf dem Debüt-Album ist mit Abstand „Stimmen“. Eine Herz-Schmerz Ballade wie aus dem Bilderbuch und dennoch ist der Track nicht überspielt. Das Beste kommt bekanntlich zum Schluss und so ist es auch hier: „Tränen aus Blut [Version 2004]“ ist wohl der einzige Track, der Ohrwurmpotenzial besitzt – eine wunderbar eingängige Melodie mit einem einfachen Refrain.

„Die Wahrheit“ ist ein wirklich abwechslungsreiches Album, auf dem kein Track dem anderen gleicht. Die Mühen sind nicht vergebens, aber etwas falsch gerichtet, ein eingängiger Track hätte nicht geschadet und dem Album auch sicher zum direkten Erfolg verholfen.

Das ganze Album über habe ich mir überlegt, an wen mich Nemesis erinnert, bei „Stimmen“ wurde es mir klar: Doro Pesch! Ich könnte mir gut vorstellen, dass das nächste Album von Eigensinn etwas heavy-lastig werden könnte, doch das bleibt wohl zu bezweifeln.

REVIEW:
Ziemlich genau 1 Jahr nach ihrem ersten TV-Auftritt an Silvester 2007/08 bei GIGA, einem Sender wo es rund um den PC geht/ging, bei dem sie 3 ihrer Songs spielten, erschien endlich die 6-Track EP „Access to your Pants“. Gegründet wurde Mondo Kane 2006, zuerst formierten sich nur Colin und Timo doch nach längerer Suche nach einem Drummer fanden sie Christian und Mondo Kane war komplett. Das Trio aus Köln, sieht sich „ der musikalischen Tradition der 1970er verpflichtet“ und verbindet daher kantige Riffs mit einfachen und eingängigen Melodien.

Bemerkbar macht sich die Einfachheit vor allem in den Refrains, denn diese sind stark vom restlichen Sound des Songs abgehoben, dadurch wird sofort klar, jetzt kommt der Refrain. Bestes Beispiel bietet das Lied „Long live Rock´N´Roll“. Kurze, knackige Gitarrenriffs und ruhiger Gesang, doch wenn der Refrain beginnt, wird die Gitarre melodischer und der Gesang immer höher. Was alle Lieder gemein haben, ist das hymnische an ihnen. Jeder Song bietet doch einen hohen Wiedererkennungswert und lädt zum mitsingen ein. Der Sound lässt sich als Party-Rock fast beschreiben, denn was da aus den Boxen knallt, hebt sofort die Stimmung. Für Gänsehaut ist auch gesorgt. Die Gitarrensoli elektrisieren förmlich. Schnell, hart aber dennoch melodisch. Die Drums treiben auch die Lieder richtig voran, und tragen zum Hard-Rock Sound maßgeblich bei, genauso wie der Bass den Songs eine gewisse härte verschafft. Doch die abgekoppelten Refrains sind sehr gewöhnungsbedürftig.

Klar wird dies im Song „Over & Out“, super melodischer Gitarrenklang und auf einmal schlägt es um zu Stumpftönigkeit und es ertönt wie ein Befehl „Over & Out“. „Don´t know me yet“ fetzt als Opener schon mal richtig los, es ist einfach Rock aus den 70ern wie man ihn kennt und liebt. Bei „Born to Rock“ geht es schon härter zu Sache.  Die Gitarre wurde lauter und drängt sich in den Vordergrund. Also wenn ich den Song höre assoziiere ich den Sound mit Motorräder und weite Straßen. Wahrscheinlich liegt es unter anderem daran, dass mich der Anfang sehr stark an „Born to be wild“ erinnert. Zu meinen Lieblingssongs von dieser EP zählt eindeutig „Sleepy Sinderela“, es fängt schon die Bassdrum zu beginn an mit einem relativ langsamen Takt, kurz darauf steigt auch schon die Gitarre mit einem sehr markanten Sound mit ein. Im Verlauf wird der Song bis zum Refrain immer melodischer und wirkt dadurch wieder etwas ruhiger und nicht mehr so aggressiv wie zu Beginn. Ähnlich markant beginnt „Mondo Kane“, nur das nicht die Drums beginnen, sondern die Gitarre. Der Song bringt richtig groove mit rüber und mitsingen kann man auch wieder sehr leicht, zumindest wenn mehrmals der Song- und Bandname gesungen wird muss man schon fast mitgröhlen. Mit „Long live Rock´N´Roll“ wäre die EP komplett, dieser Song zeigt was die Jungs wollen, den guten, alten Oldschool-Rock-Sound aufrecht erhalten und das gelingt ihnen auch.

Die CD spricht nicht nur die Generation an, welche mit so was schon aufgewachsen ist, sondern auch die Jüngeren. Altes Neu-Interpretiert. Ich persönlich finde es super, da ich nicht zu den Generationen gehöre die in den Rock´N´Roll Jahren dabei waren, und somit doch die Chance bekommen so etwas mit zu erleben.

REVIEW:
Box-Fans und Leuten aus dem Raum Ulm/Neu-Ulm wird der Bandname was sagen, denn am 8.11.2008 performten die sechs Jungs ihre Single "Crash the Sky" live im TV, als Einzugssong von Arthur Abraham vor dem Kampf gegen Raul Marquez. Gegründet haben sich FATRO (kurzform von Five and the Red One) 2001 in Pfaffenhofen, keine Stadt, kein Dorf, nein, Markt Pfaffenhofen. Gehört zum Landkreis Neu-Ulm und ist nur wenige Kilometer entfernt von meinem Geburtsort, wo ich bis zum Abschluss der Realschule gewohnt habe, Weißenhorn. Wir, meine Kumpels und ich, waren damals auf fast jedem FATRO Konzert in der Umgebung, wobei sie zu der Zeit noch durch die Nachbardörfer und Städte "tourten". Und wir wussten warum wir dort hingingen, denn die Jungs machten einfach super Laune, sind sehr Bodenständig und suchen auch den Kontakt zu den Fans. Diese Energie und gute Laune bringt das Sechstett auch auf ihrem neuen Album "Mother Bomb Phoenix" eingehend mit. Vom Klang des Hardrock der 80er- und 90er-Jahre geprägt, beweisen sie, dass sie Rock Größen wie Bon Jovi oder Nickelback gewachsen sind. So gewannen die Jungs beispielsweise ein Voting im Jahre 2006 und durften ein Open-Air in Stuttgart vor 60.000 Fans für eben Bon Jovi und Nickelbeck eröffnen.

Warum sie so Erfolgreich sind lässt sich ziemlich leicht beschreiben. Harte, mitreissende Gitarrenriffs, energischer, teils aggressiver Gesang, sowie ein schöner Drive vom Schlagzeug. Dies Zusammen gibt einen Sound der keine bestimmte Zielgruppe anspricht und sagt: "Wir machen unser Ding und haben Spaß dabei!". Das beweist auch schon der Opener "Crash the Sky", nicht ohne Grund der Einzugssong von "King" Arthur Abraham. Er hat eine echt tolle Melodie und beinhaltet einen guten Gitarrensound. Auch zum Mitsingen (-gröhlen), definitiv geeignet, durch einen einfach gehaltenen Refrain. Bei ihrem zweiten Titel "The long Run" kann man wunderbar die sehr markante und deutliche Stimme vom Frontmann Dave (David) hören, welche sich angenehm vom einheitlichen Gegröhle oder Geschrei abhebt.

Doch nicht nur begeisternde Eigenkreationen sind auf dem Album zu finden, denn mit "Danger Zone" befindet sich auch ein Cover darauf. Dieser Song gehört zum Soundtrack des allseits bekannten Films "Top Gun". Das Lied wurde von Kenny Loggins 1986 erschaffen. Mit dem Song haben sie sich einen wirklich passenden Track gesucht, denn er ist voller Elan und zeigt was die Jungs alles so drauf haben. Desweiteren sind die Songs "Pain", "At Home", "Take Everything" und "Road to Nowwhere" zu erwähnen. "Pain" ist ein richtiger Kuschelsong, der dennoch sehr rockig daher kommt. "At Home" ist dagegen wieder einer der härteren Songs und bringt richtig Party-Laune rüber, genauso wie der nachfolgende Track "Take Everything", welcher kompakte und aggressive Gitarrenriffs beinhaltet, sowie ausgeprägten Basssound, welcher sofort auf sich aufmerksam macht. Eine richtige Ballade darf bei so einem starken Rock-Album natürlich nicht fehlen. Und da kommt "Road to Nowhere ins Spiel. Schön langsam und sehr instrumental, vorallem der beruhigende Klang des Keyboards, mit doch rockigen Passagen, muss sich diese Ballade auf gar keinen Fall verstecken.

Man kann sagen, dass das gesammte Album überzeugt. Wer sich denkt: "Ach nö, Rock made in Germany, klingt so komisch." der wird hier positiv überrascht, denn es ist Chartfähig und kann Bon Jovi und co. den Kampf ansagen. Es ist, einfach gesagt, ein Album von sechs Freunden, die Spaß daran haben was sie machen und dies auch weitergeben wollen.

REVIEW:

Sabaton wurde 1999 im schwedischen Falun gegründet. Ihre erste Demo-CD veröffentlichten sie im Jahre 2000 und hieß "Fist for Fight". Ihr Name "Sabaton" ist die Bezeichnung für eine Art Schuh bzw Fußpanzerung, welche im Mittelalter getragen wurde. Ihr Albumtitel "The Art of War" ist eine Anlehnung an das Buch von Sun Tzu, einen chinesischen General, der ca. 500 vor Christus lebte und ein Buch über "The Art of War", zu Deutsch "Die Kunst des Krieges" schrieb. Auch dass das Album 13 Titel hat ist kein Zufall, denn das Buch hatte auch 13 Kapitel. Dies bedeutet, dass wie in den vorigen Alben auch hier der Krieg als Thematik gilt.

Ziemlich häufig kommt zu Beginn der Songs ein gesprochenes Zitat, welche auf Dauer nervig wirken und man sich ziemlich schnell wünscht, dass nur Musik drauf ist. Das erste Lied "Sun Tzu Says" dauert nur 23 Sekunden und ist nur ein Zitat: "Sun Tzu said: That the art of war is a vital importance to the state. It is a matter of life and death, a road either to safety, or to ruin.". Also ich kaufe mir eine CD der Musik wegen und nicht, weil ich Zitate von toten Leuten hören will. Doch Titel Nummer 2 überrollt einen wie ein Panzer. Eine super Melodie und harte Drums, die sich richtig in den Kopf hämmern. "Ghost Division" erzählt von der berühmten 7. deutschen Panzerdivision, welche im 2. Weltkrieg ihren Spitznamen "Ghost Division" erhielt, weil sie immer dort auftauchte wo sie niemand erwartete. So wie beim Frankreichfeldzug, als man plötzlich von den Flanken angriff und nicht den gewohnten Stellungskrieg bevorzugte. Na ja, genug zur Geschichte, weiter mit dem um was es hier geht, dem Album.
Desweiteren ragen definitiv die Songs "40:1" und "Talvisota" hervor, da sie sehr aggressiv wirken durch schnelle, harte Schlagzeugeinlagen, sowie schnellen, aber dennoch rhythmischen Gitarrensound, und einen gewissen Wiedererkennungswert dadurch bieten.
Was man beim Sänger deutlich heraus hört, ist vor allem das 'r' welches doch sehr stark gerollt wird, aber einfach zu dem Sound passt. Doch auch das Keyboard ist stark hervorgehoben, fügt sich aber eher symphonisch den Gitarren. Diese kommen zu gelungenen, epischen Einsätzen in den Refrains und Soli, welche relativ kurz gehalten wurden und sich mit tiefen Chören abwechseln. Doch nach mehrmaligem durch hören wirkt das Album etwas eintönig. Zwar machen die Tempowechsel schon etwas her, aber das reicht nicht aus um dem Album den ganzen Schwung von "Ghost Divison", "40:1" oder "Talvisota" aufrecht zu erhalten. Denn die Drums wirken oft wie eine Marschiervorlage, wie es früher, also wirklich schon sehr lange her, benutzt wurde um die Armeen anzuheizen, sind aber auf Dauer sehr eintönig.

Für Powermetaler, die auf epischen Sound stehen,  bestimmt eine Überlegung wert, denn Power zeigt dieses Album in einigen Songs auf jeden Fall. Wer Probleme hat über das Thema 2. Weltkrieg zu reden, wird wahrscheinlich auch Probleme bekommen, wenn er hier die Texte hört. Doch wird hier klar keine politische Meinung verbreitet sonder nur die Geschichte erzählt. Manchmal spannend, manchmal weniger spannend.

BAND:
Jan Zehrfeld (Guitar)
Andreas Dombert (Guitar)
Gregor Bürger (Sax)
Florian Schmidt (Bass)
Sebastian Lanser (Drums)

+Gastmusiker

REVIEW:
Warum einfach, wenn es schwer geht? Das ist das Motto des Münchner Quintett "Panzerballett". Gegründet wurde Panzerballet im Jahre 2004 von Jan Zehrfeld. Dieser hat seine Diplomarbeit über Meshuggah verfasst und sein Instrument, die Gitarre studiert. Wer sich denkt Metal mit Jazz kreuzen, das geht doch nicht, der sollte sich mal Panzerballett anhören. Vielleicht überzeugen die Songs nicht aufs erste Mal, aber wenn man sich darauf einlässt wirkt es.

So wurde zum Beispiel "Pink Panther", "Smoke on the Water", "Wind of Change", "Birdland", "Thunderstruck" und "Paranoid" gecovert. Doch auch selber geschriebene Songs von Jan Zehrfeld wissen zu überzeugen. So zum Beispiel in "M.w.M.i.O.f.R.", welches Jazz einlagen besitz, wie auch brachiale Metaleinlagen. Für Leute die Jazz und Metal mögen der perfekte Cocktail.
Für Fußball-Fans ist der Song "Friede, Freude, Fussball" ein wahres Schmankerl. Es verführt regelrecht zum Mähne schütteln und baut im Verlaufe des Liedes eine gewisse Spannung auf, bis zur Ruhe vor dem Sturm, denn auf einmal wird es ruhiger und jazziger. Doch dann wirds schnell, laut und sogar gegröhlt wird. Dies verdeutlicht einen Spannungsaufbau, wie bei einem Fußballspiel, zuerst euphorisches Anfeuern und dann kommt es zu einem Elfmeter und dann ist das ganze Stadion gespannt und wartet. Genauso wie im Song und dann knallt es! Ein wahrer Sturm von harten Klängen und Gegröhle reisst sich los, wie ein ausgelassener Torjubel der Fans.

Die Cover-Songs sind ein hartes Stück, denn die Orginale darin wieder zuerkennen ist nicht sehr einfach, außer an den Refrains. Doch gerade deshalb ist die CD so interessant, man wird richtig dazu gedrängt sein Kopf zu benutzen. "Thunderstruck", ein für mich geniales Lied, wird hier stark abgewandelt, aber schon allein der Gittarenakt ist überwältigend. Doch wer gerne zu "Paranoid", Orginal von Black Sabbath, headbangt, darf dies hier mal in Slowmotion versuchen. Denn hier ist es eine Akustikversion, die recht langsam daherkommt aber zu gefallen weiß. Mit "Dreamology" wird man richtig überrannt. Ein sehr lauter und harter Anfang im Gegensatz zu den anderen Songs. Doch hier wird deutlich klar, Jazz + Metal funktioniert. Ein Ausreißer aus dem Gesamtkonzept ist "Zickenterror", indem sich Jan Zehrfeld mit der Gastsängerin Conny Kreitmeier ein Gesangsduell liefert. Vor allem ist dieser Song auch sehr humoristisch Gehalten. Denn es geht um Beziehungsstress und den Alltag eines Paares. Und das letzte Wort in diesem Song gehört, wie auch im Leben, der Dame.

Da freut man sich, dass man eine Promoinfo mitgeliefert bekommt und sich nicht alles selbst zusammensuchen muss, um dann festzustellen, das in der Info ordentlich Mist verzapft wird. „Heftiger Gitarrensound, tighte Drums und rauer Gesang [...]“, nichts für Ungut, aber Willie Tanner (die Band hat sich nach dem Ziehvater von Alf benannt) ist eine ordentliche Alternativ-Rock Band, die sich von Punk und Metal beeinflussen lässt, aber nichts mit einer Metal Band zu tun hat. Da dies nun geklärt wäre, können wir auf das Album „How To Be A Complete Bastard“ eingehen.

Willie Tanner hebt sich von der Mainstream Masse ab, das muss man ihnen wirklich zu Gute halten, doch zur Perfektion fehlen noch ein bis zwei Schritte in die richtige Richtung. Das Cover ist spielerisch angehaucht und kreativ ausgearbeitet, also dafür gibts schonmal ein Lob an den Grafiker. Die Struktur des Albums ist ordentlich und zugleich interessant. Der Titelsong „How To Be A Complete Bastard“ befindet sich auf Platz 4 und er ist definitiv nicht das gelungenste Stück auf der Scheibe. Videospielartige Soundtracks prägen diese Platte, ein Markenzeichen ist gut und recht, doch im Titelsong gibt es extrem ausgeprägte Phasen und ich würde das nicht nur als elektronisch angehaucht betiteln. Der Opener „Bored Treasure“ hingegen beginnt noch mit handgemachter Musik und ist ein emotionsgeladenes Stück, das im Vergleich zu den anderen Tracks noch recht ruhig ist. Nach dem relativ ruhigen Einstieg legt „Home Sweet Homeless“ etwas zügiger nach und besticht durch seine Lyrik „It's not getting better - Even though I work on me - Won't you shut up before you disagree – What's left inside is a rising disease – Home sweet homeless“. „Icecream Wars“ dient nicht nur dazu, sich über den Titel zu amüsieren, sondern auch Einleitung des Titelsongs.

Da wären wir auch schon bei der Halbzeit, der recht kurz geratenen Platte. „Up To You″ und „Serial Memory Killer“ laufen auf das gleiche Prinzip hinaus, Liebe und Verlust – Gefühle die wir alle kennen. Die Tracks sind gut umgesetzt und können sich sehn lassen, wobei nach dem Titelsong nichts mehr schocken kann. Es überrascht um so mehr, dass nach dieser melancholischen Stimmung ein partytauglicher Song ausgepackt wird, „Boogiepop Phantom“ rockt ordentlich durch die Boxen und ich muss sagen, hier wirken die Videospiel Soundeffekte auch nicht so erdrücken, wie bei „How To Be A Complete Bastard“ und fügen sich perfekt in den Track ein. „My Poet Monster“ und „Plastic Feelings“ spiegeln noch einmal Themen wieder, die wir alle kennen und setzten somit den Schlusspunkt.

Eine knappe halbe Stunde, dann ist das ganze Spektakel vorbei. Das Album „How To Be A Complete Bastard“ wird Willie Tanner Sympathiepunkte bringen, allein schon, da sie sich selbst - wie auch ihre Musik - nicht all zu Ernst nehmen. Wenn man es aussen vor lässt, dass Willie Tanner keine Metal Band, sondern eine Alternativ-Rock Band sind, machen sie einen guten Job der sich sehen (Anm.d.Red.: und hoffentlich auch hören ;P)  lassen kann!

Der letzte und härteste Kritikpunkt ist wohl der Albumtitel. Der Titel „How To Be A Complete Bastard“ an sich ist sehr ansprechend, doch passt er weder zu der Band, noch zu dem Album.

Das musikalische Können von Willie Tanner ist nicht abzustreiten, zumindest nicht für die, die auf Alternativ-Rock stehen. Für diejenigen, die eher die harte Schiene fahren gilt: Finger weg von dem Album, denn wo „Bastard“ drauf steht, ist nicht immer „Bastard“ drin!

Offizielle Homepage: kaputtrocken.de
MySpace: www.myspace.com/willietannerrocks
Amazon: Willie Tanner - How To Be A Complete Bastard